David Rovics schreibt über sein Liedermachen – auch mit KI (auf Englisch/HaBE übersetzt)

Dass David Rovics für seine Kompositionen KI nutzt (und das hier beschreibt & auch begründet), war für mich als „Old School“-Liedermacher zunächst ebenso befremdlich wie für mich als Grafiker/Fotomonteur die Tatsache, dass viele KollegINNen für ihre Arbeiten FOTOSHOP und KI benutzen. Mir stellt sich aber doch die bange Frage, ab wann Liedertexte, Gedichte, Erzählungen und Romane von oder mit KI geschrieben werden. Aber lauert hinter meiner Frage vielleicht doch die Angst vor dem Verlust eines Privilegs? Ich würde mich gerne mit David darüber streiten, ob nicht langfristig der Einsatz der KI die Menschen verödet, gleichschaltet, verblödet, atomisiert, isoliert: statt die Menschen umfassend musikalisch, sprachschöpferisch, bildnerisch auszubilden, sich entwickeln zu lassen, werden kreative Prozesse rationalisiert, automatisiert, digitalisiert … so werden die Menschen zu halbalphabetischen Anwendern gemacht. Das ist meine Befürchtung. Der Rhythmus der schnellen Renditen diktiert den Takt und den packt nur noch der Roboter.

Europe 2026: Spring Tour Reflections Life is a blur these days, and so was this tour, but here are some blurry reflections. With music! David Rovics May 27     There have been times when among various other forms of creative output, I might write a reflective sort of essay as often as every few days. Lately, having much time for thinking that goes beyond attempting to digest the latest bout of propaganda and/or the latest volley of missiles seems like a distant luxury. But there have been so many moments in the course of my travels where up-close, real-life, physical observations of reality in a particular place and time have seemed so valuable. Like when I went to Texas, Georgia, and Arizona last winter without seeing any physical displays of Trump support anywhere I went. From my social media feeds, I would not get the impression that this kind of thing would be possible in any of those states. So, I’ll endeavor to pause the clock for a moment and reflect a bit on this tour in Europe that I just returned home from, that took Kamala and I to various parts of Germany, Denmark, Sweden, Norway, England, and Scotland. If the reflections seem blurry, it’s because that’s how they seem to me, too. Before writing travelogues like this one, I often review various sources from the period of the travels, and just prior to them, to see what else was going on, put life into some context. I note this morning that generally I’ve been writing a lot of songs, and very little else. I guess I learned from my parents to prioritize in certain ways. Both accomplished professional musicians, the priority at home growing up with them was always in favor of live music. If any child or adult was endeavoring to play or practice or whatever, that was more important than whatever else anyone might have wanted to do at that time, in that room, or even in the backseat of that car. I still seem to have these priorities, so in recent months if I wake up with a song idea, writing the song and bringing it to life always becomes the priority, at the expense of everything else that isn’t related to parenting or other basic functions. Tour-booking, essay-writing, reflecting on life in general, responding to emails, all goes more or less out the window. Driven to do my best to musically document the reality unfolding so rapidly around us, I’ve written a lot of songs, and very little else — and whatever I’m doing beyond this summer is a lot more up in the air than it normally would be at this stage of the game, as well, as a direct consequence. As I start to actually think about it, the tour just over was wonderful, but not because I did a good job at all in the tour-booking department over the past few months — I definitely did not. Also, having my YouTube channel deleted and important functions on Facebook disabled throughout much of the tour-booking process did not help matters at all. The reasons it was a great tour were largely down to several of the gigs being planned already over a year prior, and otherwise mostly to a certain cohort of folks in different countries who are the same ones who so reliably can be called on to host another event every year or so, such as in most of the cities we played in. The tour began in Germany, a country I’ve spent quite a bit of time in in my life, especially around the turn of the century. Kamala has spent very little time there, but both of us had heard and seen lots on social media and through other sources in recent years about the violent things that happen to so many people when they protest against arming Israel or in support of Palestinians, on the streets of German cities. During our time in various parts of Germany, in any case, we encountered no open hostility to the kaffiyehs both of us were wearing most every day. (A few dirty looks, though, quite possibly.) Our first gig on the tour was one of the ones planned well in advance, which was an event on the occasion of the centenary of the existence of the Heideruh Center, outside Hamburg. I wrote songs about two of the founders of the center — Franz Jacob and Katharina Jacob — which was why we were invited to sing at the commemorative event. Heideruh was originally a retreat center for communists and other antifascists, in the vein of retreat centers and summer camps in so many different countries that were probably at their most popular around that period of the twentieth century. After being occupied by the Nazis during the twelve-year period of Hitler’s rule, Heideruh became a retreat center for family members of those imprisoned or otherwise persecuted during the Third Reich. The father of the current director of the center spent the entire twelve years of Hitler’s reign in a windowless prison cell in Hamburg. Until this tour with its three gigs in Germany, I had not been to Germany in many years. Since Israel began its genocidal war upon the people of Gaza in 2023, I had heard nothing from any of the Germans. I was writing lots of songs against Israel’s war on Gaza that were certainly appreciated by the many Germans on my email list and those who are financial supporters as members of my CSA, but none of them were coming forward anymore to offer to organize a gig next time I’m in Europe. It’s always random whether anyone will make such an offer when I’m making announcements about planning another visit, but the consistency among the Germans in this instance seemed notable. And also not at all surprising. The question of Israel and support or criticism of it in Germany is pretty much the most sensitive political issue possible there. I don’t think most Germans have significantly different views on the subject relative to those of their European neighbors, but they are definitely much more reticent about expressing those views. The two gigs we had in Germany after Heideruh were in Kassel and Berlin. In Kassel it was organized by youthful members of the DKP, the German Communist Party. In Berlin it was young anti-Zionist folk from Ireland living in Berlin, organizing as the Irish Block. At least with two of the three gigs in Germany there were Germans involved with organizing them, but I was still reminded on various occasions while in Germany of the first pro-Palestinian protest I ever attended in that country, in Hamburg around 2000, when I was one of maybe three non-Arab people in attendance, among many hundreds of mostly Palestinians. At least in Kassel, in any case, we met young German leftists who were as capable of being critical of Israel and supportive of the Palestinian struggle as their counterparts in other European countries. While this was refreshing, it’s also important to point out that this was not new. It’s only new in terms of the past 30 years or so. Before that, the most dominant factions on the German left — those that identified with the term “anti-imperialist” — were fully capable of being supportive of the Palestinian cause and critical of Israel’s policies, just as they were fully capable of being critical of the imperial policies of the USA, and of course most especially of the arms sales and other policies of their own government. All of the three gigs in Germany were well-attended, though in Berlin we lost a bunch of the audience because Kamala and I didn’t go on until several hours after many people thought things would be starting. At the end of the evening, mostly after the folks running the venue had turned out the lights and left the premises, Phil Butland interviewed me at a picnic table in the dark for The Left Berlin. It was a busy tour — five weeks on the road altogether, including flying time, with 19 gigs, and often a lot of long drives in between them. But on our free days we used our time together largely learning new songs and recording them with my fancy new Chinese camera, which is such a fine piece of tech that the US recently banned it, soon after I bought the last one available for purchase in any Best Buy in the state of California, when Kamala and I were last on tour. To say we were learning new songs is a bit of an odd way to put it, since I wrote the songs we were learning. To say I wrote the songs is also far from entirely accurate. I wrote them with my musical collaborator, who I call my AI band, or I just anthropomorphize her entirely with a Japanese woman’s name I chose for her, Ai Tsuno. This was the first tour we’ve done where much or even most of the songs we did at most of the shows were songs I wrote with my AI collaborator over the past eight months. I had been especially keen to do shows full of these recently-written songs. While I wouldn’t want to do a show with only recent material, out of respect for the folks who may have traveled for hours in the hope of hearing a particular song I wrote 25 or 12 years ago, what I was craving was real-world feedback from live audiences to these songs. Here’s where we begin a lengthy tangent reflecting on music, the music industry, and writing songs in collaboration with AI. Most performers we’ve become familiar with in places like the US over the past century of the existence of the corporate music industry did not write any of the material they recorded. The industry does its best to mystify the whole process, and imbue the artists they promote with supernatural abilities of all kinds, but in reality it’s all very compartmentalized and systematic, the hit-making machinery. There are songwriters, there are recording artists and studio musicians, and there are performers. They’re all different people. The performers are generally required by the industry they work for to more or less pretend they wrote all the lyrics, all the music, and came up with all the dance moves. They’re geniuses, which of course is why they’re able to pack a stadium. A pop star would never mention to the crowd before singing a song who wrote the lyrics and who wrote the music, and which music promoter successfully convinced their manager that they should be the artist to make this gem a chart-topper. That’s not how the spell is cast. We live in a society that is meant to be obsessed with originality, and often actually is, as well. People naturally take the bait, which is largely of a corporate nature, as the corporations try to sell their artistic products with claims of uniqueness of every kind. For every style of music that embraces glitz and glamor and the mystification of the arts, there are counter-trends. In the folk music scene in places like Greenwich Village in the early 1960’s, for example, the notion of originality was so thoroughly rejected that songwriters sought to present their recent compositions as songs written a century earlier. If they succeeded in fooling their audience into thinking their own songs were actually traditional ones, then they had written the kind of song they were aiming to write. For many people, the point was never to take credit for the song in the first place, the point was to show that you had fully grokked this musical tradition that you were part of, as demonstrated by your audience’s inability to tell the difference between old and new. For those of us who are part of this folk music tradition, we embrace what Pete Seeger called “the folk process,” whereby songs and musical traditions evolve over time, as they are influenced by different societies, forms of art, particular performers or recording artists, etc. The concept of the folk process, and music and art as a collective commons — like languages or recipes or knowledge of the properties of medicinal plants — rejects the very notion of originally, to a huge extent. As an artist coming out of this kind of tradition — a tradition fully revived in different forms, but just as dramatically, by the “three chords and the truth” punk ethos, as well as by the hip-hop ethos of sampling everything and anything an artist wants to make part of their work — I embraced working with AI music-generation platforms, when I discovered how powerful they had become. Sure, I found the power of the platforms to be both wildly impressive as well as terrifying. Yes, I could see how disruptive the technology would be, along with all the other kinds of AI technology currently transforming life as we know it. But the power was undeniable. The people who used to code for a living and are now telling the AI coding platforms what to code for them say they are creating code that is just as good as it was before, but they are doing it five, ten, or twenty times faster. Anyone who has ever worked for a for-profit corporation probably doesn’t need me to tell them that when this kind of tech exists, it will become ubiquitous. Obviously, if coders can work twenty times as fast and just as well, their bosses will tell them to use these platforms, whether they want to do it or not. I have discovered that it is exactly the same with the music-generation platforms for writing songs, as it is with the coding platforms for writing code. But for a musician like me, ostensibly at least free of the shackles of a corporate boss telling me what to do or how to do it, why do I need to vastly increase my creative output? And in so doing, is the art suffering in any way? Is the music I’m creating with my AI band as good as what I’d write without the aid of AI? Is it better? Worse? Can this even be accurately measured or determined? When people know a song they’re listening to is being performed by an AI band, they tend to be immediately turned off to the music, with a feeling like they’re being deceived. So I was particularly interested to see how people would react to songs I wrote with my AI band that Kamala and I had “made our own” by figuring out good acoustic, two-voices-and-guitar renditions of them. I wanted to do this not to deceive anyone — but if I am deceiving anyone in this process, it is to deceive for the greater good, to make a broader point, which is that originality isn’t important. What’s important is what a song does to you. Whether it’s a song written hundreds of years ago, or music written hundreds of years ago with updated lyrics, or allegedly “new” music and “new” words, what matters — for those of us who embrace these concepts inherent to “the folk process” and the collective cultural commons — is how well the song or the music works. What performers seek to do is to cast a spell on their audiences. Whoever wrote a song they’re singing — whether it was them, partially them, or someone else entirely — if it’s a sad song, they want to make their audience cry. If it’s a funny song, they want to make people laugh. If it’s a song about injustice, they want to make their audiences feel like marching through the streets. Whoever wrote the song, this is what we want to do with our audiences, how we want them to feel. We know a song is working when it has the desired result. We measure the sad songs by the volume of tears shed — not by anyone’s ideas about how original or unoriginal, old or new, trad or punk the song may be. Not at all surprisingly, the Ai Tsuno cover songs that made up so much of our sets on this tour went over as well as my other songs do. The sad ones make people cry, and the funny ones make them laugh. The fact that my lyrics were ably supported by the musical ideas of an AI band that I worked with to come up with the music is not something anyone would be likely to notice. Not just because I don’t tell the audiences which songs were written with AI assistance. But because there is a consistency to all of the songs. Due to my deep involvement with coming up with the music for each one of them. But also due in no small part to the fact that there are only so many folk punk-friendly chord progressions out there, and both Ai Tsuno and I have already used them all many times. The consistency — the musicality of each song — is born out of the fact that not only is the platform amazing tech, but as the producer and prompt engineer, I’m looking for certain sounds, and I’m rejecting the vast majority of what it comes up with before I eventually land on the right kind of music and phrasing, etc., for the spell I’m trying to cast. But being the magician who already knows what kinds of spells work and what kinds don’t, I know when a song is done, in a way that the uninitiated won’t. This is the nature of being a professional working with a platform intended for use by people with a certain skill set. Same with the AI coding platforms. The proof, however, is in the pudding, and was in evidence at every gig on this tour. Do I need to be writing a new song with my AI band almost daily? Is this level of output necessary? No, certainly not. It’s more of a burden in many ways. But given that the quality of each of these new songs is right up there with anything else I’ve written in the past 25 years, the temptation to exercise the capacity to musically comment on even more news stories and historical anecdotes is irresistible. Or at least reasons to resist the temptation are over-ruled by the results of embracing it. Lengthy tangent over. One of the new songs we sang at almost every gig was “Last Morning,” which I wrote after the US-Israeli sneak attack on Iran, which took the lives of hundreds of school girls, along with the highest religious figure in Shia Islam, and much of his extended family and the surrounding neighborhood. Everywhere we went, this song in particular inspired reactions which I find to be a fascinating insight into the differing understandings of reality that can exist within a given society. Almost every time we did a show and sang that song, afterwards I was approached by a member of the audience with some kind of Muslim, Arab, Iranian, or south/west Asian background. Often with tears in their eyes, they told me how much they were moved by this song. On multiple occasions after shows involving the singing of this song, I was also approached — sometimes only afterwards in the form of a message online — by white Europeans who were not of any kind of Muslim or Asian background, who had taken offense to the song, because they see it as somehow supportive of the Islamic Republic that the US is currently actively trying to wipe out. When I eventually do a tour of parts of the US and sing this song at those gigs, I’ll be interested to see what kinds of reactions I get from audience members. Probably similar, in every way. One of Glenn Diesen’s recent guests was talking about how totalitarianism develops in what we call “the west.” The model of totalitarian development he described is first you have a corporate-controlled media ecosystem that creates a society’s consensus, and a society’s range of acceptable views, around a wide range of issues. Then this overwhelmingly brainwashed population gets to vote between different corporate-sponsored candidates offering viewpoints that are within the acceptable range of debate. Whether we’re talking about the spiffy social democracies of northern Europe, or the run-down post-industrial corners of England, or the USA, very few people seem to have any significant knowledge about Iran, or the region surrounding it. Any knowledge they do think they have has either been fed to them by the corporate media ecosystem and it just isn’t accurate, or it’s knowledge based on events that took place 47 years ago, after which point they lost interest in the subject. I like to ask people the question, name a terrorist attack — you know, the kind involving mass civilian casualties, not resistance attacks on occupying armies — name one terrorist attack that Iran has supported over the past 47 years. So far no one has been able to give me an answer. One of the other things I was asking people, specifically in Denmark, was whether they had ever heard of a Danish woman named Elise Thomsen. I asked people of various ages, provided context, and universally received the answer, “no.” Danish culture is one in which participants embrace humility, among many other wonderful values. The effort of the group is emphasized far more readily than the efforts of any individual. There’s so much good to be said about this orientation. But it still surprises me sometimes, how this can manifest in ways that mean a society might stand to basically forget the contributions of such standouts as Elise Thomsen. We learned this song I wrote with Ai Tsuno about Elise, in time to sing it at our show in Aalborg on May 1st. Touring around Scandinavia, it’s always hard for me to believe it’s possible to have any kind of gig where you might get paid to see such scenery. Even with much of the country being under construction at the moment — they’re building a tunnel from the island of Fyn in Denmark to the European mainland in Germany — driving across Denmark is so beautiful. Even the multi-lane highway is calming. Seeing Copenhagen, Gothenburg, and Oslo again, along with old friends and comrades, is always such a profound pleasure. The weather was mostly cool and breezy and beautiful, cloudy but generally not raining. There were many walks around these lovely cities, and other smaller ones as well, though never enough of any of that. Wherever we went in Scandinavia, we had the feeling of staying in paradise. Our free time in the Copenhagen area was divided between staying with old friends at a cohousing community in Roskilde surrounded by forest, farmland, and walking paths, or with old friends in Ballerup, beside a huge public forest. Our night in Gothenburg was spent in a hotel overlooking medieval boats docked in the harbor. In Oslo we stayed in a beautiful, woodsy neighborhood that is apparently a no-go area for the Oslo middle class, as it contains a percentage of immigrants in the community that causes it to be characterized as a ghetto by white people driving through in their Teslas. As we were driving through Norway, along with everywhere else in Europe, we were often listening to the latest interview our favorite podcaster has done with his latest source of what his critics call Russian propaganda. Glenn Diesen is a Norwegian college professor. He briefly explored the idea of running for office, because, as he often says, every current member of the Norwegian parliament supports sending more arms to Ukraine, without exception. Exploring questions around the Russia-Ukraine war with a lot of people in Europe we met, my impression was very similar to the impression I got around how people understand the history of Iran and the war against Iran — not very well. I often wondered, once again, if these people with their many opinions about the Russian government and the Ukrainian right to self-determination had ever bothered to read a book about the history of Russia in this century, or the history of the efforts of NATO and the US to influence proceedings and create facts on the ground in Ukraine and other former Soviet countries? And also, had they ever bothered to think hard about what final result they are hoping for, if their side wins this war? What would that look like? What would their home town look like? The lack of knowledge and the lack of reflection around these questions that I encounter wherever I go is so alarming. In between Oslo and Gävle we visited friends from Florida who have just bought a run-down house in rural Sweden for $14,000 — less than what I pay for rent in a year. Nice place, on nice land, with lots of potential. Perhaps I’ll follow them there soon. Like most of the radicals I know from the US, the idea of needing to make a quick escape is always in the back of my mind. One of the other gigs that was planned so far in advance that both of the main performers forgot all about it for probably several months was the event in Brighton, England, marking the anniversary of the 1926 general strike in Great Britain, and the Battle of Lewes Road in Brighton in particular. I was already well into trying to organize this tour when someone mentioned the idea of organizing a gig in Brighton, and somehow or other it occurred to me to check my Google Calendar, where I realized then I already had a plan for Brighton. I then reminded Robb Johnson about the gig we had both committed to and forgotten about. It ended up being a great gig, in any case, for which Robb and I both wrote songs. We were in between gigs in London when I got an email from someone calling my attention to the actions of the Pakistani government, in recently arresting the leadership of the Awami Action Committee in the region of Pakistani-administered Kashmir known as Gilgit-Baltistan. Soon after getting that email I got another, and then over the course of the next 24 hours or so, three more. Each different, each eloquently beseeching me, specifically, to support the imprisoned leadership of the committee. Reading up on the great work of the leader of the group, Ehsan Ali, in uniting so many different sorts of people in the support of basic and broadly popular demands like controls on the price of wheat, it was obvious to me that I had to write a song about him, at least. It was equally obvious that the fact that the committee needed to make these demands again was because the government was trying to go back on their prior agreement to subsidize wheat prices. And the fact that this was happening when it was happening was absolutely a consequence of the US war on Iran, and the resulting impact on global shipping, and the skyrocketing prices of commodities of all sorts, such as food, fuel, and fertilizer. It was just after I wrote the song about Ehsan Ali that I got a message from Reuben, who had been one of the organizers of another wonderful show at the London Action Resource Center. He was writing to make sure I was aware that the Duke of Devonshire owned an antiquarian book shop in London at which he was involved with some protest organizing, due mainly to the fact that said duke also owns a mountain in the Republic of Ireland, where he intends to raise the fees charged to tenant farmers seeking to graze their sheep. Now, in the allegedly independent part of that island, in 2026. Next song. We got to have a brief visit and sing with our longtime friend, comrade, and musical collaborator, Lorna McKinnon in Glasgow. One of the projects I’ve been engaged with in recent months especially has been trying to take boring slogans and make them more interesting, in the form of songs, and singable refrains. We demonstrated at many of the gigs how well they can work. Kamala and I had already played around southern England, about to head north to play in Middlesbrough and Glasgow (having no gigs in between London and Middlesbrough due to aforementioned distracted tour-planning efforts), when I got a message from someone in Denmark, asking if we had May 20th free. Soon we had plane tickets from London to back to Copenhagen, which we had just left ten days earlier. The unexpected return trip to Denmark was certainly the most moving evening of the tour, surrounded as we were by grieving friends, relatives, and comrades of Mads Gram, a longtime socialist organizer in Denmark, and participant in International Solidarity Movement activities in and around occupied Palestine, who had just died suddenly earlier in the month, at the age of 40. What was also so moving about the evening for me, in addition to seeing how everyone was dealing with the sudden death of their loved one, was having this unusual opportunity to reunite briefly with so many people I used to see around often, but who I hadn’t seen in many years, or often decades. People who spend their teenage years or their early twenties hanging around SUF (socialist youth front) comrades or going to shows at Ungdomshuset (the House of Youth) generally grow up to be leftwing adults, but you don’t see them at the shows anymore. They grow up and maybe get a cool job working for a union or an NGO, but from the vantage point of the leftwing musician like me, they’re gone, or much less visible, than when I’d see them in the audience and talk with them over a cigarette outside after the show. In many cases by now they’ve even quit smoking, and they’re drinking less, too. In my experience as a touring artist, I often play for young people, and I often play for older folks, who are retired. The common thread in both cases is they have more free time than people who are raising small children while working 30 or 40 or 50 hours a week. I often meet teenagers who tell me they grew up listening to my music, and they tell me about their parents, who are fans, but they don’t bring their parents with them most of the time. For their parents, those days ended when they had kids, due to time constraints and maybe other factors. So, there was something really special about hanging out with all these people now in their forties, who were in their teens or early twenties when we last spent much time together. In some cases, as grown up as they now appear, I can still see the scrawny punk kid they used to be, and they still see in me the much older adult leftwinger who came to sing for the kids, though now they’re in their forties and raising small children, and I’m in my fifties, doing the same thing, and the age difference seems much less pronounced. The last gig on the tour was at the Islington Folk Club, which was also the last of the gigs which had been planned a year or more in advance. The folk club has existed in a few different venues over the decades, but as a folk club, it’s the place I’ve played in most consistently, since I first started touring in England over a quarter of a century ago. This evening we played there, the house band and the other acts were especially in good form. One of them did a brilliant rendition of a Robb Johnson song, which was not the first Robb Johnson cover I heard on this tour, either. Having heard Kamala and I do “Song for Tomorrow” at the folk club, the man said he was going to learn it next. At all of our shows in England and Scotland, I think without exception, there was at least one member of the audience who had recently been arrested for the crime of holding a sign saying something along the lines of “I support Palestine Action, I oppose genocide.” If memory serves, it was at our last gig, in Islington, that the audience included the first of the octogenarians to be arrested for this particular terrorism-related offense. You’re currently a free subscriber to This Week with David Rovics. If you want to support and promote David’s work, and unlock access to lots of digital goodies and get a Better Anarchist Club Card in the mail along with other things, you’re encouraged to upgrade and become part of David’s Community-Supported Art program. Upgrade to paid   Like Comment Restack   © 2026 David Rovics 3430 SE Francis St Apt B, Portland, OR 97202 Unsubscribe

Und hier folgt meine Übersetzung (ich gestehe: teils mit Hilfe von DeepL)

Es gab Zeiten, in denen ich neben verschiedenen anderen kreativen Ausdrucksformen vielleicht alle paar Tage einen reflektierenden Essay schrieb. In letzter Zeit scheint es ein ferner Luxus zu sein, viel Zeit zum Nachdenken zu haben, die über den Versuch hinausgeht, die neueste Propaganda und/oder die jüngste Raketensalve zu verdauen.

Aber es gab auf meinen Reisen so viele Momente, in denen mir die hautnahen, realen, physischen Beobachtungen der Realität an einem bestimmten Ort und zu einer bestimmten Zeit so wertvoll erschienen. Zum Beispiel, als ich letzten Winter nach Texas, Georgia und Arizona reiste, ohne irgendwo, wo ich hinkam, physische Zeichen der Unterstützung für Trump zu sehen. Aus meinen Social-Media-Feeds hätte ich nicht den Eindruck gewonnen, dass so etwas in einem dieser Staaten überhaupt möglich wäre.

Also werde ich versuchen, die Zeit für einen Moment anzuhalten und ein wenig über diese Europareise nachzudenken, von der ich gerade zurückgekehrt bin und die Kamala und mich in verschiedene Teile Deutschlands, Dänemarks, Schwedens, Norwegens, Englands und Schottlands geführt hat. Wenn die Gedanken verschwommen wirken, dann deshalb, weil sie mir selbst auch so erscheinen.

Bevor ich Reiseberichte wie diesen schreibe, schaue ich mir oft verschiedene Quellen aus der Zeit der Reisen und kurz davor an, um zu sehen, was sonst noch so los war, und das Geschehen in einen Kontext zu setzen. Ich stelle fest, dass

Mir ist heute Morgen aufgefallen, dass ich in letzter Zeit vor allem viele Lieder geschrieben habe und sonst kaum etwas anderes.

Ich glaube, ich habe von meinen Eltern gelernt, bestimmte Prioritäten zu setzen. Da beide erfolgreiche Berufsmusiker waren, stand zu Hause während meiner Kindheit immer die Live-Musik an erster Stelle. Wenn ein Kind oder ein Erwachsener versuchte, zu spielen, zu üben oder was auch immer, war das wichtiger als alles andere, was irgendjemand zu diesem Zeitpunkt, in diesem Raum oder sogar auf dem Rücksitz des Autos hätte tun wollen.

Ich scheine diese Prioritäten immer noch zu haben, und so wird in den letzten Monaten, wenn ich mit einer Songidee aufwache, das Schreiben des Songs und seine Umsetzung immer zur Priorität, auf Kosten von allem anderen, was nicht mit der Kindererziehung oder anderen grundlegenden Aufgaben zu tun hat. Tour-Booking, Essays schreiben, über das Leben im Allgemeinen nachdenken, E-Mails beantworten – all das fliegt mehr oder weniger aus dem Fenster. Angetrieben von dem Wunsch, mein Bestes zu geben, um die sich so rasant um uns herum entfaltende Realität musikalisch zu dokumentieren, habe ich viele Songs geschrieben und sonst sehr wenig – und was auch immer ich über diesen Sommer hinaus mache, ist als direkte Folge davon viel ungewisser, als es normalerweise in dieser Phase der Dinge der Fall wäre.

Wenn ich jetzt darüber nachdenke, war die gerade zu Ende gegangene Tour wunderbar, aber nicht, weil ich in den letzten Monaten bei der Tourplanung gute Arbeit geleistet hätte – das habe ich definitiv nicht. Auch die Löschung meines YouTube-Kanals und die Deaktivierung wichtiger Funktionen auf Facebook während eines Großteils des Tourplanungsprozesses haben die Sache nicht gerade erleichtert.

Dass es eine großartige Tour war, lag vor allem daran, dass einige der Konzerte bereits über ein Jahr im Voraus geplant waren, und ansonsten hauptsächlich an einer bestimmten Gruppe von Leuten in verschiedenen Ländern, auf die man sich jedes Jahr oder so zuverlässig verlassen kann, um eine weitere Veranstaltung zu organisieren – wie in den meisten Städten, in denen wir gespielt haben.

Die Tour begann in Deutschland, einem Land, in dem ich in meinem Leben schon ziemlich viel Zeit verbracht habe, vor allem um die Jahrtausendwende. Kamala war bisher nur sehr selten dort, aber wir beide hatten in den letzten Jahren in den sozialen Medien und aus anderen Quellen viel über die gewalttätigen Vorfälle gehört und gesehen, die so vielen Menschen widerfahren, wenn sie auf den Straßen deutscher Städte gegen die Bewaffnung Israels oder zur Unterstützung der Palästinenser protestieren. Während unserer Zeit in verschiedenen Teilen Deutschlands stießen wir jedenfalls auf keine offene Feindseligkeit gegenüber den Keffijehs, die wir beide fast jeden Tag trugen. (Ein paar böse Blicke gab es allerdings durchaus.)

Unser erster Auftritt auf der Tour war einer derjenigen, die schon lange im Voraus geplant waren: eine Veranstaltung anlässlich des hundertjährigen Bestehens des Heideruh-Zentrums außerhalb von Hamburg.

Ich hatte Lieder über zwei der Gründer des Zentrums – Franz Jacob und Katharina Jacob – geschrieben, weshalb wir eingeladen worden waren, bei der Gedenkveranstaltung zu singen.

Heideruh war ursprünglich ein Erholungszentrum für Kommunisten und andere Antifaschisten, ganz im Stil der Erholungszentren und Sommercamps in so vielen verschiedenen Ländern, die um diese Zeit wahrscheinlich ihren Höhepunkt erreichten in den 20ern des zwanzigsten Jahrhunderts. Nachdem Heideruh während der zwölfjährigen Herrschaft Hitlers von den Nazis besetzt worden war, wurde es zu einem Rückzugsort für Angehörige von Menschen, die während des Dritten Reiches inhaftiert oder auf andere Weise verfolgt worden waren. Der Vater des derzeitigen Leiters des Zentrums verbrachte die gesamten zwölf Jahre der Hitler-Herrschaft in einer fensterlosen Gefängniszelle in Hamburg.

Bis zu dieser Tournee mit ihren drei Auftritten in Deutschland war ich seit vielen Jahren nicht mehr in Deutschland gewesen. Seit Israel 2023 seinen Völkermordkrieg gegen die Bevölkerung von Gaza begonnen hatte, hatte ich von keinem der Deutschen mehr etwas gehört. Ich schrieb viele Lieder gegen Israels Krieg gegen Gaza, die sicherlich von den vielen Deutschen auf meiner E-Mail-Liste und denjenigen, die mich als Mitglieder meiner CSA finanziell unterstützen, geschätzt wurden, aber keiner von ihnen meldete sich mehr, um anzubieten, ein Konzert zu organisieren, wenn ich das nächste Mal in Europa bin. Es ist immer Zufall, ob jemand ein solches Angebot macht, wenn ich Ankündigungen über die Planung eines weiteren Besuchs mache, aber die Übereinstimmung unter den Deutschen schien in diesem Fall bemerkenswert.

Und auch überhaupt nicht überraschend. Die Frage nach Israel und der Unterstützung oder Kritik daran ist in Deutschland so ziemlich das heikelste politische Thema, das es dort gibt. Ich glaube nicht, dass die meisten Deutschen in dieser Frage wesentlich andere Ansichten haben als ihre europäischen Nachbarn, aber sie sind definitiv viel zurückhaltender, wenn es darum geht, diese Ansichten zu äußern.

Die beiden Konzerte, die wir nach Heideruh in Deutschland hatten, fanden in Kassel und Berlin statt. In Kassel wurde es organisiert  von jungen Mitgliedern der DKP, der Deutschen Kommunistischen Partei. In Berlin waren es junge antizionistische Iren, die in Berlin lebten und sich als „Irischer Block“ organisierten.

Zumindest bei zwei der drei Konzerte in Deutschland waren Deutsche an der Organisation beteiligt, aber ich wurde während meines Aufenthalts in Deutschland dennoch mehrfach an die erste pro-palästinensische Demonstration erinnert, an der ich in diesem Land je teilgenommen hatte – in Hamburg um das Jahr 2000, als ich einer von vielleicht drei nicht-arabischen Teilnehmern unter vielen Hunderten von überwiegend Palästinensern war.

Zumindest in Kassel trafen wir jedenfalls junge deutsche Linke, die ebenso fähig waren, Israel kritisch zu sehen und den palästinensischen Kampf zu unterstützen, wie ihre Pendants in anderen europäischen Ländern.

Das war zwar erfrischend, doch es ist auch wichtig darauf hinzuweisen, dass dies nichts Neues war. Neu ist es nur im Hinblick auf die letzten etwa 30 Jahre. Davor waren die dominierenden Fraktionen der deutschen Linken – jene, die sich mit dem Begriff „antiimperialistisch“ identifizierten – durchaus in der Lage, die palästinensische Sache zu unterstützen und Israels Politik zu kritisieren, genauso wie sie durchaus in der Lage waren, die imperiale Politik der USA zu kritisieren, und natürlich ganz besonders die Waffenverkäufe und andere Maßnahmen ihrer eigenen Regierung.

Alle drei Auftritte in Deutschland waren gut besucht, obwohl wir in Berlin einen Teil des Publikums verloren haben, weil Kamala und ich erst mehrere Stunden später auf die Bühne kamen, als viele dachten, es würde losgehen. Am Ende des Abends waren es hauptsächlich

, meist nachdem die Betreiber des Veranstaltungsortes das Licht ausgeschaltet und das Gelände verlassen hatten, interviewte mich Phil Butland im Dunkeln an einem Picknicktisch für „The Left Berlin“.

Es war eine anstrengende Tour – insgesamt fünf Wochen unterwegs, Flugzeit mitgerechnet, mit 19 Auftritten und oft vielen langen Autofahrten dazwischen. Aber an unseren freien Tagen nutzten wir unsere gemeinsame Zeit größtenteils dazu, neue Songs zu lernen und sie mit meiner schicken neuen chinesischen Kamera aufzunehmen, die ein so hervorragendes Stück Technik ist, dass die USA sie kürzlich verboten haben – kurz nachdem ich die letzte im gesamten Bundesstaat Kalifornien bei Best Buy erhältliche Kamera gekauft hatte, als Kamala und ich das letzte Mal auf Tour waren.

Zu sagen, wir hätten neue Songs gelernt, ist eine etwas seltsame Formulierung, da ich die Songs geschrieben habe, die wir lernten. Zu sagen, ich hätte die Songs geschrieben, ist auch bei weitem nicht ganz zutreffend. Ich habe sie zusammen mit meiner musikalischen Mitstreiterin geschrieben, die ich meine KI-Band nenne, oder ich vermenschliche sie einfach komplett mit einem japanischen Frauennamen, den ich für sie ausgesucht habe: Ai Tsuno.

Dies war die erste Tournee, bei der viele oder sogar die meisten Songs, die wir bei den meisten Auftritten gespielt haben, Songs waren, die ich in den letzten acht Monaten zusammen mit meiner KI-Mitstreiterin geschrieben habe.

Ich hatte mich besonders darauf gefreut, Konzerte zu geben, die voll von diesen kürzlich geschriebenen Songs waren. Ich wollte zwar kein Konzert nur mit neuem Material geben – aus Respekt vor den Leuten, die vielleicht stundenlang gereist waren, in der Hoffnung, einen bestimmten Song zu hören, den ich vor 25 oder 12 Jahren geschrieben hatte –, aber was ich mir sehnlichst wünschte, war echtes Feedback vom Live-Publikum zu diesen Songs.

An dieser Stelle beginnen wir einen längeren Exkurs, in dem wir über Musik, die Musikindustrie und das Songschreiben in Zusammenarbeit mit KI nachdenken.

Die meisten Interpreten, die wir im Laufe des letzten Jahrhunderts, seit es die kommerzielle Musikindustrie gibt, in Ländern wie den USA kennengelernt haben, haben nichts von dem Material geschrieben, das sie aufgenommen haben. Die Industrie tut ihr Bestes, um den gesamten Prozess zu mystifizieren und den von ihr geförderten Künstlern alle möglichen übernatürlichen Fähigkeiten zuzuschreiben, aber in Wirklichkeit ist das Ganze sehr stark unterteilt und systematisch – die Hit-Maschinerie. Es gibt Songwriter, es gibt Aufnahmekünstler und Studiomusiker, und es gibt Interpreten. Das sind alles verschiedene Personen.

Von der Branche, für die sie arbeiten, wird von den Interpreten im Allgemeinen verlangt, mehr oder weniger so zu tun, als hätten sie alle Texte und die gesamte Musik geschrieben und sich alle Tanzschritte ausgedacht. Sie sind Genies, was natürlich der Grund dafür ist, dass sie ein Stadion füllen können. Ein Popstar würde dem Publikum vor dem Singen eines Songs niemals erzählen, wer den Text und wer die Musik geschrieben hat und welcher Musikpromoter seinen Manager erfolgreich davon überzeugt hat, dass er der Künstler sein sollte, der dieses Juwel zum Chartstürmer macht. So funktioniert der Zauber nicht.

Wir leben in einer Gesellschaft, die eigentlich von Originalität besessen sein soll und es oft auch tatsächlich ist. Die Menschen gehen natürlich auf diesen Köder ein, der größtenteils unternehmerischer Natur ist, da die Unternehmen versuchen, ihre künstlerischen Produkte mit Behauptungen aller Art über Einzigartigkeit zu verkaufen.

Für jeden Musikstil, der sich Glanz und Glamour sowie die Mystifizierung der Künste zu eigen macht, gibt es Gegentrends. In der Folkmusikszene an Orten wie Greenwich Village in den frühen 1960er Jahren beispielsweise wurde der Begriff der Originalität so entschieden abgelehnt, dass Songwriter versuchten, ihre aktuellen Kompositionen als Lieder auszugeben, die bereits vor einem Jahrhundert geschrieben worden seien. Wenn es ihnen gelang, ihr Publikum glauben zu machen, ihre eigenen Lieder seien tatsächlich traditionelle Lieder, dann hatten sie genau die Art von Lied geschrieben, die sie schreiben wollten. Für viele ging es gar nicht darum, die Urheberschaft für das Lied für sich zu beanspruchen; vielmehr ging es darum zu zeigen, dass man diese musikalische Tradition, der man angehörte, vollständig verinnerlicht hatte – was sich daran zeigte, dass das Publikum den Unterschied zwischen Alt und Neu nicht erkennen konnte.

Für diejenigen von uns, die Teil dieser Volksmusiktradition sind, ist das, was Pete Seeger als „den Folk-Prozess“ bezeichnete, selbstverständlich: Dabei entwickeln sich Lieder und musikalische Traditionen im Laufe der Zeit weiter, da sie von verschiedenen Gesellschaften, Kunstformen, bestimmten Interpreten oder Aufnahmekünstlern usw. beeinflusst werden. Das Konzept des Folk-Prozesses und von Musik und Kunst als kollektives Gemeingut – wie Sprachen oder Rezepte oder das Wissen über die Eigenschaften von Heilpflanzen – lehnt den Begriff des „Ursprünglichen“ in hohem Maße ab.

Als Künstler, der aus dieser Tradition hervorgegangen ist – einer Tradition, die in verschiedenen Formen, aber ebenso dramatisch durch das Punk-Ethos der „drei Akkorde und der Wahrheit“ sowie durch das Hip-Hop-Ethos von

Ich habe alles ausprobiert, was ein Künstler in sein Werk einfließen lassen möchte – und habe mich voll und ganz auf die Arbeit mit KI-Plattformen zur Musikgenerierung eingelassen, als ich erkannte, wie leistungsfähig sie geworden waren. Sicher, ich fand die Leistungsfähigkeit dieser Plattformen sowohl unglaublich beeindruckend als auch beängstigend. Ja, mir war klar, wie disruptiv diese Technologie sein würde, ebenso wie all die anderen Arten von KI-Technologie, die derzeit unser Leben, wie wir es kennen, verändern. Aber ihre Leistungsfähigkeit war unbestreitbar.

Die Menschen, die früher ihren Lebensunterhalt mit Programmieren verdienten und nun den KI-Programmierplattformen sagen, was sie für sie programmieren sollen, behaupten, dass sie Code erstellen, der genauso gut ist wie früher, dies aber fünf-, zehn- oder zwanzigmal schneller tun.

Jeder, der schon einmal für ein gewinnorientiertes Unternehmen gearbeitet hat, muss sich von mir wohl nicht sagen lassen, dass diese Art von Technologie, sobald sie existiert, allgegenwärtig werden wird. Es liegt auf der Hand: Wenn Programmierer zwanzigmal so schnell und genauso gut arbeiten können, werden ihre Chefs ihnen vorschreiben, diese Plattformen zu nutzen, ob sie wollen oder nicht.

Ich habe festgestellt, dass es bei den Plattformen zur Musikgenerierung für das Songschreiben genau so ist wie bei den Programmierplattformen zum Schreiben von Code. Aber warum sollte ich als Musiker, der zumindest vordergründig frei von den Fesseln eines Unternehmenschefs ist, der mir vorschreibt, was ich zu tun habe und wie ich es tun soll, meinen kreativen Output massiv steigern müssen? Und leidet die Kunst dabei in irgendeiner Weise? Ist die Musik, die ich mit meiner KI-Band schaffe, genauso gut wie das, was ich ohne die Hilfe von KI schreiben würde? Ist sie besser? Schlechter? Kann man das überhaupt genau messen oder feststellen?

Wenn Menschen wissen, dass ein Song, den sie gerade hören, von einer KI-Band gespielt wird, neigen sie dazu, sich sofort von der Musik abzuwenden, mit dem Gefühl, getäuscht worden zu sein. Daher war ich besonders daran interessiert zu sehen, wie die Leute auf Songs reagieren würden, die ich mit meiner KI-Band geschrieben hatte und die Kamala und ich uns „zu eigen gemacht“ hatten, indem wir gute akustische Versionen mit zwei Stimmen und Gitarre dafür gefunden hatten. Ich wollte das nicht tun, um jemanden zu täuschen – aber wenn ich dabei jemanden täusche, dann tue ich das für das Allgemeinwohl, um einen übergeordneten Punkt zu verdeutlichen, nämlich dass Originalität nicht wichtig ist. Wichtig ist, was ein Lied bei einem bewirkt.

Ob es sich nun um einen Song handelt, der vor Hunderten von Jahren geschrieben wurde, oder um Musik, die vor Hunderten von Jahren komponiert wurde und mit aktualisierten Texten versehen wurde, oder um angeblich „neue“ Musik und „neue“ Texte – was zählt – für diejenigen von uns, die diese Konzepte annehmen, die dem „Folk-Prozess“ und dem kollektiven kulturellen Gemeingut innewohnen –, ist, wie gut der Song oder die Musik funktioniert.

Was Interpreten anstreben, ist, ihr Publikum in ihren Bann zu ziehen. Wer auch immer den Song geschrieben hat, den sie singen – ob sie selbst, teilweise sie selbst oder jemand ganz anderes –, wenn es ein trauriger Song ist, wollen sie ihr Publikum zum Weinen bringen. Wenn es ein lustiger Song ist, wollen sie die Leute zum Lachen bringen. Wenn es ein Song über Ungerechtigkeit ist, wollen sie ihrem Publikum das Gefühl geben, durch die Straßen marschieren zu wollen. Wer auch immer den Song geschrieben hat, genau das wollen wir mit unserem Publikum erreichen, genau so sollen sie sich fühlen. Wir wissen, dass ein Lied funktioniert, wenn es die gewünschte Wirkung erzielt. Wir messen den Erfolg trauriger Lieder an der Menge der vergossenen Tränen – und nicht daran, wie originell oder unoriginell, alt oder neu, traditionell oder punkig das Lied nach Meinung anderer sein mag.

Es überrascht überhaupt nicht, dass die Ai-Tsuno-Coversongs, die einen so großen Teil unserer Sets auf dieser Tour ausmachten, genauso gut ankamen wie meine anderen Songs. Die traurigen bringen die Leute zum Weinen, und die lustigen bringen sie zum Lachen. Die Tatsache, dass meine Texte gekonnt von den musikalischen Ideen einer KI-Band unterstützt wurden, mit der ich bei der Komposition der Musik zusammengearbeitet habe, ist etwas, das wahrscheinlich niemandem auffallen würde. Nicht nur, weil ich dem Publikum nicht verrate, welche Songs mit KI-Unterstützung geschrieben wurden. Sondern weil alle Songs eine gewisse Konsistenz aufweisen. Das liegt an meiner intensiven Beteiligung an der Komposition der Musik für jeden einzelnen von ihnen. Aber auch nicht zuletzt daran, dass es nur eine begrenzte Anzahl von folk-punk-freundlichen Akkordfolgen gibt und sowohl Ai Tsuno als auch ich diese bereits oft verwendet haben.

Die Konsistenz – die Musikalität jedes einzelnen Songs – entsteht nicht nur dadurch, dass die Plattform eine erstaunliche Technologie ist, sondern auch dadurch, dass ich als Produzent und Prompt-Ingenieur nach bestimmten Klängen suche und den Großteil dessen, was sie vorschlägt, verwerfe, bevor ich schließlich die richtige Art von Musik und Phrasierung usw. für den Zauber finde, den ich zu bewirken versuche. Aber als Magier, der bereits weiß, welche Zaubersprüche funktionieren und welche nicht, weiß ich, wann ein Lied fertig ist –auf eine Weise, wie es Laien nicht tun. Das liegt in der Natur der Sache, wenn man als Profi mit einer Plattform arbeitet, die für Menschen mit bestimmten Fähigkeiten gedacht ist. Das Gleiche gilt für die KI-Programmierplattformen.

Der Beweis liegt jedoch in der Praxis und war bei jedem Auftritt dieser Tour deutlich zu sehen. Muss ich fast täglich einen neuen Song mit meiner KI-Band schreiben? Ist dieses Produktionspensum notwendig? Nein, ganz sicher nicht. In vielerlei Hinsicht ist es eher eine Belastung. Aber angesichts der Tatsache, dass die Qualität jedes dieser neuen Songs auf einer Stufe mit allem steht, was ich in den letzten 25 Jahren geschrieben habe, ist die Versuchung, die Möglichkeit zu nutzen, noch mehr Nachrichten und historische Anekdoten musikalisch zu kommentieren, unwiderstehlich. Oder zumindest werden die Gründe, der Versuchung zu widerstehen, von den Ergebnissen, die sich aus ihrer Annahme ergeben, übertrumpft.

Schluss mit dem langen Exkurs.

Einer der neuen Songs, die wir bei fast jedem Auftritt sangen, war „Last Morning“, den ich nach dem hinterhältigen Angriff der USA und Israels auf den Iran geschrieben habe, bei dem Hunderte von Schulmädchen ums Leben kamen, zusammen mit der höchsten religiösen Persönlichkeit des schiitischen Islam und einem Großteil seiner Großfamilie sowie der umliegenden Nachbarschaft. Überall, wo wir hinkamen, löste gerade dieser Song Reaktionen aus, die mir einen faszinierenden Einblick in die unterschiedlichen Realitätsverständnisse geben, die innerhalb einer Gesellschaft existieren können.

Fast jedes Mal, wenn wir auftraten und diesen Song sangen, kam nach der Show jemand aus dem Publikum auf mich zu, der einen muslimischen, arabischen, iranischen oder süd-/südwestasiatischen Hintergrund hatte. Oft mit Tränen in den Augen, erzählten sie mir, wie sehr sie dieses Lied bewegt habe.

Bei mehreren Gelegenheiten nach Auftritten, bei denen ich dieses Lied gesungen hatte, wurde ich auch angesprochen – manchmal erst im Nachhinein in Form einer Online-Nachricht – von weißen Europäern, die keinerlei muslimischen oder asiatischen Hintergrund hatten und die sich durch das Lied beleidigt fühlten, weil sie es als eine Art Unterstützung für die Islamische Republik betrachten, die die USA derzeit aktiv zu vernichten versuchen.

Wenn ich irgendwann einmal durch Teile der USA touren und diesen Song bei diesen Konzerten singen werde, bin ich gespannt, welche Reaktionen ich vom Publikum bekomme. Wahrscheinlich in jeder Hinsicht ähnliche.

Einer von Glenn Diesens jüngsten Gästen sprach darüber, wie sich Totalitarismus in dem entwickelt, was wir „den Westen“ nennen. Das von ihm beschriebene Modell totalitärer Entwicklung sieht so aus: Zunächst gibt es ein von Konzernen kontrolliertes Medienökosystem, das einen gesellschaftlichen Konsens und eine Bandbreite akzeptabler Ansichten zu einer Vielzahl von Themen schafft. Dann darf diese überwiegend gehirngewaschene Bevölkerung zwischen verschiedenen, von Konzernen gesponserten Kandidaten wählen, die Standpunkte vertreten, die innerhalb des akzeptablen Spektrums der Debatte liegen.

Ob wir nun von den schicken Sozialdemokratien Nordeuropas sprechen, von den heruntergekommenen postindustriellen Ecken Englands oder von den USA – nur sehr wenige Menschen scheinen nennenswerte Kenntnisse über den Iran oder die ihn umgebende Region zu haben. Das Wissen, das sie zu haben glauben, wurde ihnen entweder vom Medienökosystem der Konzerne eingeflößt und ist einfach nicht zutreffend oder es handelt sich um Wissen, das auf Ereignissen basiert, die vor 47 Jahren stattfanden, woraufhin sie das Interesse an diesem Thema verloren haben.

Ich stelle den Leuten gerne die Frage: Nennen Sie mir einen Terroranschlag – Sie wissen schon, einen mit zahlreichen zivilen Opfern, keine Widerstandsangriffe auf Besatzungsarmeen –, nennen Sie mir einen Terroranschlag, den der Iran in den letzten 47 Jahren unterstützt hat. Bislang konnte mir noch niemand eine Antwort geben.

Eine weitere Frage, die ich den Leuten stellte, insbesondere in Dänemark, war, ob sie jemals von einer Dänin namens Elise Thomsen gehört hätten. Ich fragte Menschen unterschiedlichen Alters, gab den Kontext an und erhielt ausnahmslos die Antwort: „Nein.“

Die dänische Kultur ist eine, in der die Menschen neben vielen anderen wunderbaren Werten auch Bescheidenheit schätzen. Die Leistung der Gruppe wird weitaus stärker betont als die Leistung eines Einzelnen. Es gibt so viel Gutes über diese Einstellung zu sagen. Aber es überrascht mich manchmal immer noch, wie sich dies auf eine Weise manifestieren kann, die dazu führt, dass eine Gesellschaft die Beiträge von herausragenden Persönlichkeiten wie Elise Thomsen im Grunde vergessen könnte. Wir haben dieses Lied, das ich zusammen mit Ai Tsuno über Elise geschrieben habe, rechtzeitig einstudiert, um es bei unserem Konzert in Aalborg am 1. Mai zu singen.

Auf Tour durch Skandinavien fällt es mir immer schwer zu glauben, dass es überhaupt Auftritte gibt, bei denen man dafür bezahlt wird, solche Landschaften zu sehen. Selbst wenn derzeit ein Großteil des Landes im Umbau begriffen ist – sie bauen einen Tunnel von der Insel Fünen in Dänemark zum europäischen Festland in Deutschland –, ist die Fahrt durch Dänemark einfach wunderschön. Selbst die mehrspurige Autobahn wirkt beruhigend.

Kopenhagen, Göteborg und Oslo wiederzusehen, zusammen mit alten Freunden und Weggefährten, ist immer ein ganz besonderes Vergnügen. Das Wetter war meist kühl, windig und schön, bewölkt, aber im Großen und Ganzen regenfrei. Wir unternahmen viele Spaziergänge durch diese reizenden Städte und auch durch kleinere Orte, obwohl man davon nie genug bekommen kann.

Wo auch immer wir in Skandinavien hinkamen, hatten wir das Gefühl, im Paradies zu sein. Unsere Freizeit in der Gegend um Kopenhagen verbrachten wir teils bei alten Freunden in einer Wohngemeinschaft in Roskilde, umgeben von Wald, Ackerland und Wanderwegen, teils bei alten Freunden in Ballerup, direkt neben einem riesigen öffentlichen Wald. Unsere Nacht in Göteborg verbrachten wir in einem Hotel mit Blick auf mittelalterliche Boote, die im Hafen vor Anker lagen. In Oslo wohnten wir in einem schönen, waldreichen Viertel, das offenbar ein No-Go-Area für die Osloer Mittelschicht ist, da der Anteil an Einwanderern in der Gemeinde so hoch ist, dass es von weißen Menschen, die in ihren Teslas durchfahren, als Ghetto bezeichnet wird.

Während wir durch Norwegen fuhren, hörten wir, wie überall sonst in Europa auch, oft das neueste Interview, das unser Lieblingspodcaster mit seiner neuesten Quelle geführt hat – was seine Kritiker als russische Propaganda bezeichnen.

Glenn Diesen ist ein norwegischer Hochschulprofessor. Er spielte kurz mit dem Gedanken, für ein politisches Amt zu kandidieren, denn, wie er oft sagt, befürwortet jedes derzeitige Mitglied des norwegischen Parlaments ausnahmslos die Lieferung weiterer Waffen an die Ukraine.

Als wir mit vielen Menschen in Europa, denen wir begegneten, Fragen rund um den Russland-Ukraine-Krieg diskutierten, war mein Eindruck sehr ähnlich zu dem, den ich hatte, als es darum ging, wie die Menschen die Geschichte des Iran und den Krieg gegen den Iran verstehen – nämlich nicht besonders gut. Ich habe mich oft gefragt, ob diese Menschen mit ihren vielen Meinungen über die russische Regierung und das Selbstbestimmungsrecht der Ukraine sich jemals die Mühe gemacht haben, ein Buch über die Geschichte Russlands in diesem Jahrhundert zu lesen oder über die Geschichte der Bemühungen der NATO und der USA, die Geschehnisse zu beeinflussen und Fakten vor Ort in der Ukraine und anderen ehemaligen Sowjetstaaten zu schaffen? Und hatten sie sich jemals die Mühe gemacht, gründlich darüber nachzudenken, welches Endergebnis sie sich erhoffen, falls ihre Seite diesen Krieg gewinnt? Wie würde das aussehen? Wie würde ihre Heimatstadt aussehen? Der Mangel an Wissen und das Fehlen von Reflexion über diese Fragen, dem ich überall begegne, ist so alarmierend.

Zwischen Oslo und Gävle besuchten wir Freunde aus Florida, die gerade ein heruntergekommenes Haus im ländlichen Schweden für 14.000 Dollar gekauft haben – weniger, als ich im Jahr an Miete zahle. Ein schöner Ort, auf schönem Land, mit viel Potenzial. Vielleicht folge ich ihnen bald dorthin. Wie bei den meisten Radikalen, die ich aus den USA kenne, habe ich den Gedanken, schnell fliehen zu müssen, immer im Hinterkopf.

Einer der anderen Auftritte, der so weit im Voraus geplant war, dass beide Hauptakteure ihn wahrscheinlich mehrere Monate lang völlig vergessen hatten, war die Veranstaltung in Brighton, England, zum Jahrestag des Generalstreiks von 1926 in Großbritannien und insbesondere der Schlacht an der Lewes Road in Brighton. Ich war bereits mitten in den Vorbereitungen für diese Tour, als jemand die Idee äußerte, einen Auftritt in Brighton zu organisieren, und irgendwie kam mir der Gedanke, in meinem Google-Kalender nachzuschauen, wo mir dann klar wurde, dass ich bereits einen Plan für Brighton hatte. Ich erinnerte Robb Johnson daraufhin an den Auftritt, zu dem wir uns beide verpflichtet und den wir beide vergessen hatten.

Es wurde jedenfalls ein großartiger Auftritt, für den Robb und ich beide Songs geschrieben hatten.

Wir waren gerade zwischen zwei Auftritten in London, als ich eine E-Mail von jemandem erhielt, der mich auf das Vorgehen der pakistanischen Regierung aufmerksam machte, die kürzlich die Führung des Awami Action Committee in der als Gilgit-Baltistan bekannten Region des pakistanisch verwalteten Kaschmirs verhaftet hatte. Kurz nach Erhalt dieser E-Mail erhielt ich eine weitere, und im Laufe der nächsten 24 Stunden dann noch drei weitere. Jede war anders, jede bat mich eindringlich, speziell die inhaftierte Führung des Komitees zu unterstützen.

Als ich mich über die großartige Arbeit des Anführers der Gruppe, Ehsan Ali, informierte, der so viele verschiedene Menschen vereint hatte, um grundlegende und weit verbreitete Forderungen wie die Kontrolle der Weizenpreise zu unterstützen, war mir klar, dass ich einen Song schreiben musste …

Die Übersetzung der zweiten Hälfte folgt noch